특유의 옷차림의 굴드

굴드의 음악

위의 간략한 그의 일대기에서도 소개되었듯이
굴드는 토론토 왕립 콘서바토리를 졸업했지만
유럽이나 미국에서 별도의 음악교육을 받은 일이 없었다.

바로 이 점이 굴드의 매우 특이한 연주스타일에
결정적인 영향을 주었다고 볼 수 있다. 요컨대
'음악의 중심지'가 그의 성장환경에서 빠져 있는 것이다.

굴드는 빈은 물론
프랑스에서도, 모스크바에서도 음악을 배우지 않았으며
19세기의 흐름을 이어받은 대가들에게 사사받은 일도 없었다.

그 영향이었는지 그의 음악은
고전적인 형식에 구애받지 않았으며
템포의 설정도, 프레이징도, 장식음의 처리도
'자유로움' 그 자체였다.

여기에 기괴한 그의 성격까지 더해져서
당시로서는 도저히 상상도 할 수 없었던
기상천외한 굴드의 음악이 탄생하게 되었던 것이다.

앞에서도
굴드가 만들어내는 음악의 몇 가지 특징을 이야기했었지만
그 강렬한 개성 못지 않은 중요한 특징으로
음악에 대한 놀라울 정도의 집중력을 빼놓을 수 없다.

유럽에서 활동한 음악가와는 달리
미국 대륙에서 활동한 덕분에 비교적 풍부한 영상자료가 남겨져있어
피아노를 연주할 때의 기괴한 표정과 허밍,
고무로 만든 놀라운 의자, 호로비츠 못지 않게 '불량한' 연주자세 등을
비교적 생생히 관찰할 수 있는데, 이러한 모든 특이점은
그의 음악에의 몰입으로 해석할 수 있다.

현대의 음악가들이
무대 위에서 취하는 제스츄어를
모두 쇼맨쉽이라고 할 수는 없겠지만,
굴드의 연주자세는 청중에 대한 최소한의 배려도
없었다는 것이 사실이다.

특히 바흐 음악에 대한 집중력이라는 의미에서
굴드는 바흐 전문가인 칼 리히터에게 전혀 뒤지지 않는다.

독일적인 전통을 이어받지 않았다는 점에서
두 사람 사이에는 결정적인 차이가 생기게 된 것이다.

굴드는
바흐의 음악에 잠재하는 본질을 확실히 이끌어 내면서
지금까지 누구도 생각해내지 못했을 정도로
자유롭게 바흐를 연주했다.

그는 현대 피아노를 사용하였고,
주법도 바흐시대의 것이라고 말할 수는 없었다.

그러나 굴드가 만들어내는 자유로움은 그 자체가
바흐의 연주에 가장 중요한 것이면서
우리가 그 동안 잃어온 것이라고 말할 수 있는 것이었다.

악보를 있는 그대로 소리로 만들어내는 행위의 무미건조함을
굴드는 의표를 찌르는 연주를 통해 새삼 느끼게 해 주었던 것이다.

바흐가 그의 곡을 작곡하는 도중에
도취되었음에 분명한, 약동하는 생명력을
굴드는 극히 현대적인 형태로 다시 만들어 내었던 것이다.

굴드의 음반을 들어보면
깃털처럼 가벼운 터치와 호로비츠를 연상시키는 영롱한 트릴,
때때로 어이없이 빠르거나 혹은 느린 템포,
지나칠 정도의 논-레가토 주법을 자주 접할 수 있지만
결코 큰 음량을 만들어 내지는 않는다.

실제로 그와 협연한 지휘자들은
굴드의 음량이 비교적 작았다고 이야기하고 있는데,
바흐 시대 악기의 작고 변화가 없는 소리를 염두에 두고
연주를 했던 것 같다.

굴드는 오래된 스타인웨이 피아노를 수리하여 사용하였는데,
이 피아노는 매우 가벼운 건반을 가지고 있었다고 한다.
종종 굴드의 음반에서 들을 수 있는 엄청난 스피드는 아마도
이 피아노의 특성인 듯 하다.

굴드가 만드는 소리는
과격한 해석과는 반대로 매우 섬세한 것이었는데
그가 만들어 내기를 원했던 음색의 미묘한 차이,
주법의 극적인 변화는 연주회장에서는 결코
접할 수 없는 것이었다.

오직 레코드만을 통해
- 눈의 미세한 결정을 현미경을 통해서만 확인할 수 있듯이 -
그는 자신의 말을 다할 수 있었다.

결국 레코드를 통해 들을 수 있는 굴드의 음색은 매우 예쁘다.
호로비츠의 스카를랏티 소나타를 들어봐도
이와 유사한 예쁜 소리가 나는 것으로 보아
소니의 SBM기술이 한 몫을 하지 않았나 하는 생각도 할 수 있지만,
훨씬 이전에 발매된 CBS의 오리지널 음반을 들어 봐도
약간의 차이가 있을 뿐 굴드의 깔끔하고 예쁜 음색은 여전하다.

아마도 굴드는
녹음과정에서 피아노 소리의 의도적인 수정을 가했던 것 같다.
이것은 현대 피아노가 가지는 어쩔 수 없는 한계를
기술적인 (음악외적인) 방법으로 해결하고자 한
굴드의 '창의력'의 산물이다.

아직까지 굴드가 살아 있었다면 그는 서슴없이
컴퓨터를 이용한 음향과 트랙의 합성에 몰두했음에 틀림없다.
그는 단순히 피아노를 연주하는 것이 아니라
자신이 추구하는 음악을 완성시키기 위해
수단과 방법을 가리지 않았던 것이다.

그것을 누군가가 들어주는 것은
굴드에게 있어 중요하지 않았을 것이다.

무인도에 혼자 남겨져서
평생을 거기에서 살게 되었다 할지라도 굴드는 아무 거리낌없이
새로운 음악의 창조에 골몰했을 것만 같은 생각이 든다.

굴드의 바흐가 기적적으로 훌륭한 연주들임에 비해
모차르트나 베토벤, 브람스 등의 연주에는
쉽게 공감할 수 없는 부분이 많다.

바흐의 연주에서는
충분히 허용되고 새로움을 줄 수 있었던 자유로운 발상들이
그 이후의 음악에서는 그다지
효과적으로 작용하지 못하고 있는 것이다.

베토벤 당시와 현재의 악기 자체의 차이를 감안한다 하더라도
바흐 이후의 작곡가들은
분명히 '피아노'라는 악기를 위해 음악을 만들었고,
따라서 표현의 폭 어느 정도 한정되어 있을 수밖에 없기 때문에
굴드의 '전위'는 바흐에서만 빛을 발할 수 있었던 것이다.

그가 연주하는 베토벤의 23번 소나타를 들어보면
바흐 때와 한 가지 결정적인 차이를 발견할 수 있다.

해석은 분명히 참신한 것으로
거부감이 든다는 것은 부정할 수 없지만
1악장의 듣는 이를 초초하게 만들만큼 느린 템포에서
기존에 듣지 못했던 새로운 감상 포인트를 많이 찾을 수 있다.

하지만 바흐 때와 같은 음향상의 매력은
아무래도 훨씬 뒤쳐져 있는 것이다.

모차르트의 소나타들에서는
어느 정도 참신한 사운드를 들을 수 있었지만
베토벤 이후에는 해석상의 참신함만이 존재한다고 해도
과언은 아닐 것이다.

실제로 굴드가 오르간이나 쳄발로를 연주한 음반을 들어보면
그다지 정통적인 해석에서 벗어나 있는 것 같지는 않다.

작곡 당시의 악기를 사용하는데
굳이 기괴한 해석을 도입할 필요가 없었다고 느낀 것일까?

굴드는 본질적으로 청중을 싫어했다.

그는 '음악에 대해 잘 알고 있는 청중일수록
연주자에 대해 가학적인 욕망을 가지고 있다'고 이야기하며
그러한 적의에 직접적으로 노출되는 연주회장을 기피하였으며
청중의 비판적인 의견이 자신의 창조적인 음악을 받아들이는 것과는
관계가 없다는 것을 강조하였다.

사실 굴드의 이런 생각은
연주자들이 심혈을 기울여 만들어 놓은 음악에 대해
인터넷 공간에서나마 이래저래 평가하고
때로는 공격까지 하는 필자의 입장에선 마음에 걸리는 점이다.

연주자가 의도적으로 만들어 낸 음악이라면
그것이 어떤 것이라 해도
결코 비판받을 이유는 없다는 견해도 가능하다.

그것은 단지 받아들이는 쪽의 입장일 뿐,
연주자는 나름대로의 최선을 다 한 것이기 때문이다.

굴드가 기계적인 편집과 조작을 즐겼다고는 하지만
그 행위에 일말의 사심이 없었다는 점,
순수하게 음악을 즐기기 위한 행위였다는 점에서 우리는
아직 '선구자'로서의 굴드에 대한 평가를
다 내리지 못하고 있는 것은 아닐까?



[ http://www.goclassic.co.kr/artist/gould.html ] 에서..